Anselm Neft ist freier Mitarbeiter der Berliner Zeitung und betreibt das Blog http://www.horrorundpsychologie.de. Er wurde 1973 bei Bonn geboren, studierte abseitige Fächer, schrieb seine Magisterarbeit über zeitgenössischen Satanismus, verschliss Jobs vom Tellerwäscher bis zum Unternehmensberater und lebt heute als freier Autor und Schriftsteller in Hamburg. Dort betreibt er den Literaturpodcast „laxbrunch“ und schreibt Artikel und Bücher. Sein neuester Roman heißt „Späte Kinder“ und ist im Rowohlt-Verlag erschienen. 

Lieber Osgood Robert Perkins II., ich würde Ihnen nicht schreiben, wenn ich Sie für einen untalentierten Regisseur halten würde. Wenn Sie einfach schlechte Filme machen würden, die mich nicht interessieren, dann gäbe es für mich keinen Grund, mich an Sie zu wenden. Es ist vielmehr so, dass ich ein halber Fan bin. Ich habe alle Ihre Filme gesehen, und immer hat mir etwas daran richtig gut gefallen. Aber es hat mich auch immer etwas stark gestört und manchmal richtiggehend genervt. Nun habe ich Ihren neuen Film „Keeper“ gesehen, und mir ist endgültig klar geworden, warum ich mit Ihren Horrorfilmen immer nur halb warm werde. Ja, „Keeper“ ist tatsächlich der Film, der mich am meisten ärgert. Ich weiß, es war ein kleines Sechs-Millionen-Dollar-Projekt, das Sie schnell zwischen „Longlegs“ und „The Monkey“ gedreht haben, weil es wegen des Streiks der US-amerikanischen Gewerkschaften WGA und SGA-AFTRA zunächst mit den Arbeiten an „The Monkey“ nicht weitergehen konnte. Das Drehbuch haben Sie diesmal nicht selbst geschrieben – was mir Hoffnungen gemacht hat, denn ehrlich gesagt: So gut inszeniert viele Sequenzen in „Die Tochter des Teufels“, „I Am The Pretty Thing That Lives In This House“ oder „Longlegs“ gewesen sind – die Geschichten schwanken irgendwo zwischen überambitioniert und flach und haben mich nie wirklich befriedigt.

Osgood Perkins („Longlegs“, „The Monkey“) hat schon wieder einen Horrorstreifen am Start. Unser Autor hat ihn gesehen und schreibt dem Regisseur einen Brandbrief.

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„Keeper“: Ein neuer Horrorfilm zeigt, was im Genre oft schiefläuft

Als Neil Postman 1985 sein Buch „Wir amüsieren uns zu Tode. Urteilsbildung im Zeitalter der Unterhaltungsindustrie“ veröffentlichte, hatte Stephen Kings unter Pseudonym herausgebrachter Roman „Menschenjagd“ (Originaltitel „The Running Man“) schon drei Jahre auf dem Buckel. Sowohl die Mahnschrift des Medienwissenschaftlers als auch der Thriller des Bestseller-Autors wiesen auf ein Phänomen hin: Ein Massenpublikum lässt sich durch Unterhaltungsprodukte, vor allem durchs Fernsehen, manipulieren, gegen andere Menschen aufhetzen und zugleich in einen lethargischen Zustand versetzen, der die bestehenden Verhältnisse nicht hinterfragt. Laut Postman ist das Gefährliche am Fernsehen nicht, dass es unterhaltsame Inhalte präsentiert, sondern, dass es jeden Inhalt als Unterhaltung präsentiert. Bei Stephen King ist das die brutale „Gameshow“ „The Running Man“, in der die Kandidaten von ausgebildeten Jägern bis zum Tode durch die USA gejagt werden. Die Bevölkerung wird dabei zum Denunziantentum ermuntert, den wer einen „Running Man“ verpfeift, bekommt eine nette Geldsumme ausbezahlt.

Edgar Wright liefert einen furiosen Actionthriller ab, der sich enger an Stephen Kings Romanvorlage hält als die Schwarzenegger-Version. Wie ist das Ergebnis? Die Kritik.

„The Running Man“: Dieser Film ist besser als das Schwarzenegger-Original von 1987

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„Frankenstein“ auf Netflix: Die Monstrosität der Schöpfung

„Frankenstein“ auf Netflix: Ein starker Horror-Film, den man gesehen haben muss

Der oscarprämierte Regisseur Guillermo del Toro liebt das Phantastische. Vor allem liebt er Monster. In seinen Filmen wie „Pans Labyrinth“, „Shape of Water“ oder „Hellboy“ sind monströse Kreaturen keineswegs das Böse schlechthin, sondern repräsentieren das Unerwünschte und Abnorme: von der Gesellschaft missverstanden und ausgestoßen. Es war also nur eine Frage der Zeit, bis sich del Toro – der in seinem privaten „Bleak House“ einen eigenen Frankenstein-Saal eingerichtet hat – an eine Verfilmung des berühmten Romans von Mary Shelley Wollstonecraft wagen würde. Denn Frankensteins Geschöpf ist das wohl berühmteste Monster der Filmgeschichte: zugleich bedrohlich und tragisch, ein Außenseiter wider Willen, der von seinem ehrgeizigen Schöpfer aus Leichenteilen zusammengesetzt und belebt wurde. Nun hat del Toro seinen bereits 2007 geäußerten Wunschtraum endlich verwirklicht: als Regisseur, Produzent und Drehbuchautor, und mit einem Budget von 120 Millionen Dollar. Sein „Frankenstein“ ist ganz klar die aufwändigste und opulenteste Verfilmung des Stoffs, noch vor „Mary Shelley’s Frankenstein“. Mit diesem Film von Kenneth Branagh aus dem Jahr 1994 hat die aktuelle Frankenstein-Version einiges gemein: Sie lehnt sich stärker als andere Adaptionen an die literarische Vorlage an, sie nutzt die im ewigen Eis des Nordpols spielende Rahmenhandlung des Romans, und sie setzt gleichermaßen auf große Emotionen wie auf durchaus saftige Gewalteruptionen. Wo aber Branaghs „Frankenstein“-Version in der Figurenzeichnung sprunghaft und unplausibel wirkte, hat del Toro seine Charaktere besser im Griff.

Was für ein Jahr für die Monster vergangener Tage! Nach „Nosferatu“, dem „Wolf Man“ und „Dracula“ kommt nun auch „Frankenstein“ zurück auf die Leinwand. Und das so opulent wie nie. Die Kritik.

Dass man sich zumindest finanziell erfolgreich an Neuversionen von Filmklassikern versuchen kann, hat Anfang des Jahres Robert Eggers mit seiner Interpretation von „Nosferatu“ gezeigt. Der Film spielte fast das Vierfache seines Budgets von 50 Millionen ein. Nun will es Luc Besson also mit „Dracula“ wissen. Dabei sind die Voraussetzungen nicht schlecht. Der Regisseur (z.B. „Leon der Profi“, „Das fünfte Element“, „<a href="https://www.berliner-zeitung.de/kultur-vergnuegen/kritik-zu-dogman-wieder-einmal-typisch-luc-besson-li.2148342">Dogman</a>“) hat ein Gespür für schillernde und fantastische Stoffe und scheut nicht vor barocker Exzentrizität zurück. Außerdem hat er mit Caleb Landry Jones und Christoph Waltz zwei starke und motivierte Darsteller im Cast. Filmmusik-Veteran Danny Elfmann steuert einen gediegenen Score voller dunkler Romantik bei, Corinne Bruand entwarf schicke Kostüme für den im 15. und im 19. Jahrhundert spielenden Film und die Kameraarbeit übernahm – wie schon bei „Dogman“ – Colin Wandersmann. Letzterer war auch für die Kinematografie von extrem blutigen Horrorschockern wie „Inside“ und „Frontier(s)“ (beide 2007) zuständig. Wer aber mit einer Splatter-Variante der altbekannten Dracula-Geschichte rechnet, irrt sich. Besson inszeniert vielmehr ein romantisches Grusel-Drama mit dem Schwerpunkt auf der Liebesgeschichte. Der englische Beititel ist dann passenderweise auch nicht „Die Auferstehung“, sondern „A Love Tale“.

Luc Besson verfilmt den Klassiker „Dracula“ neu. Kann das gutgehen? Die Filmkritik.

Luc Besson und sein Film „Dracula – Die Auferstehung“ – eine verpasste Chance

Die Ausgangslage ist spannend: Die Yale-Professorin Alma (<a href="https://www.berliner-zeitung.de/topics/julia-roberts">Julia Roberts</a>) steht kurz davor, endlich die seit langem angestrebte Festanstellung zu erhalten. Diese Position würde ihr ganz neue Freiheiten ermöglichen. Denn nicht fest angestellte Dozenten und Professorinnen können im System der US-Universitäten schon wegen kleiner Fehltritte ihren Job verlieren, selbst wenn die Fehltritte nur nachgesagt werden.

Julia Roberts spielt in diesem moralisch komplexen Thriller eine Philosophieprofessorin. Sie ist jedoch nicht ganz so tugendhaft wie die Ideale, die sie unterrichtet.

„After the Hunt“ mit Julia Roberts: Der moralische Spagat der intellektuellen US-Elite

Die Regeln sind einfach: Die jungen Männer, die sich „freiwillig“ für den „Long Walk“ angemeldet haben, gehen so lange, bis nur noch einer von ihnen übrig ist. Wer stehen bleibt oder die festgelegte Mindestgeschwindigkeit von 3.1 Meilen pro Stunde unterschreitet, wird nach drei Verwarnungen erschossen. Eine Ziellinie gibt es nicht. Es wird so lange gelaufen, bis der Sieger feststeht. Dem winken eine sehr große Geldsumme und die Erfüllung eines Wunsches.

Das heftige Drama nach einem alten Stephen-King-Roman zeigt Solidarität und Freundschaft innerhalb eines erbarmungslosen Regimes. Und kommt zur passenden Zeit in die Kinos.

Horror „The Long Walk – der Todesmarsch“: Eine harte und traurige Stephen-King-Adaption

1964: Ed und Lorraine Warren sind frisch verheiratet und arbeiten als „paranormale Ermittler und Dämonologen“. In einem Antiquitätenladen entdecken sie einen Spiegel, in dem ein Dämon haust. Das bösartige Wesen wird den beiden so gefährlich, dass sie die Flucht ergreifen. Und nie wieder etwas mit dem verwunschenen Objekt und seinem Bewohner zu tun haben wollen. 1986: Die Familie Smurl leidet in ihrem Haus unter unerklärlichen Phänomenen, seit sie einen alten Spiegel angeschafft hat. Als die Warrens schließlich auf Umwegen zu den Smurls kommen, müssen sie feststellen: Ja, es ist genau der Spiegel. Und der Dämon darin hat es auf ihre Tochter abgesehen.

Nach zwölf Jahren kommt nun der letzte Teil der enorm erfolgreichen „Conjuring“-Reihe in die Kinos. Wie unheimlich wird der letzte Fall der Warrens? Eine Kritik.

„Conjuring 4: Das letzte Kapitel“ – episch-emotionales Finale der Horror-Saga

TV & Medien

Knutby ist ein beschaulicher Ort mit gut 500 Einwohnern in der Nähe von Uppsala. Hier siedelten schon in den 1990ern Mitglieder eine Pfingstgemeinde unter der Führung des charismatischen Pastors Helge Fossmo. Fossmos erste Frau wurde 1999 tot in der Badewanne gefunden. Trotz Indizien, die etwas anderes nahelegen, wurde ihr Tod als Unfall zu den Akten gelegt. 2004 wurde dann jedoch Fossmos zweite Ehefrau Alexandra ermordet und ein weiteres Mitglied der Pfingstgemeinde schwer verletzt. Geständige Täterin in beiden Fällen war die damals 26-jährige Sara Svensson, die unter dem manipulativen Einfluss des Pastors handelte, der sie auch in ein sexuelles Verhältnis verwickelt hatte. Pastor Fossmo wiederum war stark beeinflusst von Åsa Waldau,  der wahren Führerin des Kultes. Diese Geschichte erzählt die erste Staffel von „The Congregation“. Als Basis diente unter anderem der True-Crime-Roman „Knutby“ von Jonas Bonnier.

Die Miniserie „The Congregation“ war in Schweden ein großer Erfolg. Der Streamingdienst Viaplay zeigt die zweite Staffel des heftigen Dramas über eine sektenhafte Pfingstgemeinde.

„The Congregation“: Die vielen Gesichter des Missbrauchs

Schweden

Danny und Michael Philippou wurden mit ihrem parodistischen YouTube-Kanal „RackaRacka“ bekannt. Dann eroberten sie im Sommer 2023 unverhofft mit „Talk to Me“ weltweit die Herzen von Horrorfilmfans. Nun kommt der zweite Film der australischen Brüder nach Deutschland und ist noch finsterer als der erste.

Nun kommt der zweite Film der australischen Brüder Danny und Michael Philippou nach Deutschland. Er ist noch finsterer als der erste.

„Bring Her Back“: Seelische Schmerzen, die in den Wahnsinn treiben

Die nächtlichen Straßen einer US-amerikanischen Kleinstadt. Die freistehenden Einfamilienhäuser reihen sich wie weiße Denkmäler auf den Grünflächen aneinander. Die Digitalanzeigen der Wecker im Inneren der Häuser zeigen 2.17 Uhr. Plötzlich gehen ein paar der Türen auf und Kinder laufen heraus, die Arme ausgebreitet, als wollten sie in den Nachthimmel davonfliegen. Eine Szene so wundersam wie unheimlich. Wie aus einem Traum, einem dunklen Märchen. Brechen die Kinder in eine neue Freiheit auf, ins Abenteuer? Und sind sie nicht eigentlich viel zu jung dafür? Eine kindliche Erzählerstimme verrät uns, dass in dieser Nacht siebzehn Kinder aus ihren Elternhäusern ins Freie gelaufen und seitdem ohne eine Spur verschollen sind. Ein Ereignis, das die Kleinstadt Maybrook erschüttert. Die Wut mancher Eltern richtet sich gegen die Lehrerin Mrs. Grady (Julia Garner). Denn alle Kinder, die verschwunden sind, stammen aus ihrer Klasse. Nur der introvertierte Alex ist übriggeblieben.

Nach seinem Erfolg mit „Barbarian“ bringt Regisseur Zach Cregger mit mehr Selbstbewusstsein einen weiteren Horrorfilm in die Kinos. Die Kritik.

Von dem Macher von „Barbarian“: Der Horror „Weapons – Die Stunde des Verschwindens“

Was hält Paare zusammen? Ist es vor allem Liebe? Gewohnheit? Finanzielle oder emotionale Abhängigkeit? Ein Mix aus alle dem? Dieser Frage geht der in Australien und den USA produzierte Film „Together“ nach. Dabei setzt Regisseur Michael Shanks auf Horror und Ekel, aber auch auf schwarzen Humor, ohne dabei jedoch die Grimmigkeit seiner Parabel zu unterwandern. Millie (Alison Brie) und Tim (Dave Franco) sind Mitte dreißig und seit zehn Jahren zusammen. Sie ist Lehrerin, er wurstelt sich als Indie-Rockmusiker durch. Der Film beginnt mit einer Abschiedsparty, die das Paar in seiner Stadtwohnung feiert. Denn Millie hat ein tolles Jobangebot in einer ländlichen Gegend, die beiden wollen umziehen und sich verändern. Als Millie auf der Party im Überschwang Tim vor den Gästen einen Heiratsantrag macht, reagiert der so zögerlich, dass aus dem romantisch gemeinten Moment ein zutiefst peinlicher wird. Im neu bezogenen Haus auf dem Land zeigen sich die Risse in der Beziehung noch deutlicher. Tim zieht sich in sein Heimstudio zurück und weist Millie sexuell ab, die wiederum rutscht einerseits Tim gegenüber in die Mutterrolle, und findet andererseits einen charmanten Lehrerkollegen interessant. In dieser latent angespannten Lage verirrt sich das Paar bei einer Wanderung durch die Wälder, gerät in ein Unwetter und findet Zuflucht in einer sonderbaren, offenbar früher einmal rituell genutzten Höhle. Millie und Tim trinken dort von einer Wasserquelle. Kurz darauf setzen bei beiden mysteriöse Veränderungen ein.

Der Body-Horror „Together“ zeigt, dass die Verstrickung als Paar und die Ängste vor Nähe und Distanz das Zeug zum handfesten Grauen haben. Die Kritik.

„Together – Unzertrennlich“: Wie Routine bei Paaren zum Horror wird

1997 kam ein Film im Fahrwasser des mega-erfolgreichen „Scream“ in die Kinos, von dem die meisten wohl vor allem den Titel kennen: „Ich weiß, was du letzten Sommer getan hast“ war kein Meisterwerk, aber ein atmosphärischer und spannender Film, in dem eine Gruppe junger Menschen eine folgenreiche Fahrerflucht vertuschen will und am Jahrestag des Unfalls von einem mysteriösen Mann mit Fischerhaken gejagt wird. Der Film war damals ein großer Kassenerfolg. Gibt es deshalb nun eine Neuauflage? Und taugt die was?

Das Remake soll neue Generationen an den Horrorklassiker heranführen. Doch kann das gelingen? Unser Kritiker kann kein gutes Urteil fällen.

„Ich weiß, was du letzten Sommer getan hast“: Braucht jemand dieses Remake eines Horrorfilms aus den späten 90ern?

Im Sommer 1975 gingen in den USA 67 Millionen Menschen ins Kino, um „Der weiße Hai“ zu sehen. Das entspricht fast einem Drittel der damaligen Bevölkerung und macht den Film zum ersten und gleich richtig fetten Blockbuster. Der Film basiert auf dem gleichnamigen Roman von Peter Benchley. Nachdem Spielberg das Buch gelesen hatte, erklärte er, dass ihm die Menschen in der Geschichte so wenig sympathisch gewesen wären, dass er zum Hai gehalten hätte. Geringe Sympathien hatten auch die Schauspieler Robert Shaw und Richard Dreyfuss während der Dreharbeiten füreinander. Genauer gesagt: Sie konnten sich nicht ausstehen. Laut Roy Scheider, der im Film den Polizeichef Brody spielt, war Shaw ein echter Gentleman, bis er den ersten Drink intus hatte. Dann mutierte er schlagartig zum Arschloch. Als er sich einmal am Set ein Glas Alkohol einschenkte und jammerte: „Ich wünschte, ich könnte das lassen“, soll Dreyfuss das Glas genommen und den Inhalt in den Ozean geschüttet haben. Der Beginn einer wunderbaren Männerfreundschaft sieht meist anders aus. Nachzulesen sind diese und viele andere Anekdoten in Carl Gottliebs Buch „The Jaws Log“. Gottlieb schrieb auch zusammen mit Romanautor Benchley das Drehbuch zu „Der weiße Hai“.

Am 20. Juni 1975 brachte Steven Spielberg mit „Jaws“ den ersten Sommer-Blockbuster in die Kinos. 50 Jahre später ist es Zeit für die interessantesten Fakten rund um den Klassiker.

„Der weiße Hai“: Spielbergs Filmklassiker wird 50 Jahre alt – er hat Haien geschadet

Sie rennen, greifen an, töten: Die mit einem in einem Londoner Labor gezüchteten Wut-Virus infizierten Menschen sind rabiater und gefährlicher als jeder gemütlich mit ausgestreckten Armen herumtaumelnde Zombie. Dank dieser Grundidee konnte Danny Boyle 2002 mit seinem Film „28 Days Later“ frischen Wind ins angejahrte Zombie-Genre bringen. Zwar gab es schon 1972 im schäbigen Low-Budget Film „Garden of the Dead“ Untote, die sich sehr schnell bewegen konnten, und in „The Crazies“ (1973) mit einer Biowaffe verseuchte Menschen im rasenden „Wut-Modus“, aber erst mit „28 Days Later“ wurden die rennenden Zombies bzw. Infizierten populär und fürs Genre typisch. Sie passen einfach besser in unser hektisches Jahrhundert als die behäbig schlurfende Variante. Der Film mit seiner spröden Digitalkamera-Optik war damals ein großer Erfolg und zog 2007 die ebenfalls erfolgreiche, actionlastigere Fortsetzung „28 Weeks Later“ nach sich. Und nun – satte 18 Jahre später – wird die Reihe endlich fortgesetzt. Wieder führte Danny Boyle Regie, wieder schrieb Alex Garland das Drehbuch. Die Erwartungen der Filmfans sind also hoch. Und es ist ziemlich sicher, dass „28 Years Later“ polarisieren wird. Die einen werden den fast zweistündigen Film als wendungsreiches Horror-Epos feiern, das mit großartigen Settings, einer fast schon poetischen Bildsprache und starken Darsteller*innen punktet. Manche werden sich auch über die zahlreichen Referenzen freuen und loben, wie der pseudo-dokumentarische Wackelkamerastil der früheren Filme elegant in die neue Verfilmung mit ihrem deutlich höheren Budget integriert wurde.

Der Kultregisseur Danny Boyle lässt zombieartige Infizierte auf die Kinoleinwände los. Gelingt ihm ein weiterer Hit, oder ist der Hype eine Luftnummer? Die Kritik.

„28 Years Later“: Coming-of-Age-Drama mit Zombies

Warum erkranken Frauen sieben Mal häufiger an Magersucht als Männer? Warum ist der Druck auf Frauen so groß, schlank zu sein? Warum stellen sich gerade junge Frauen in sozialen Medien mit „Beauty Filtern“, stark geschminkt und in aufreizend gemeinten Posen dar? Und wer profitiert eigentlich von Schönheitsidealen und weiblichem Konkurrenzdruck? Diesen Fragen geht die norwegische Regisseurin Emilie Blichfeldt in ihrem Spielfilmdebüt „The Ugly Stepsister“ („Den stygge stesøsteren“) anhand der Aschenputtel-Geschichte nach. Ja, der ganze Film spielt in einem märchenhaften Mittelalter, das mehr als einmal an den tschechischen Weihnachtsklassiker „Drei Nüsse für Aschenbrödel“ denken lässt. Nur, dass wir es hier mit einem teilweise recht ungemütlichen Film aus dem Subgenre „Body Horror“ zu tun haben.

Das Aschenputtel-Märchen als grotesker Body-Horror-Film: Dieser Film ist rabenschwarz, knallhart und teilt mit grober Kelle aus. Am 5. Juni kommt er regulär in die Kinos. Die Kritik.

Horrorfilm „The Ugly Stepsister“: Wie Frauen anderen Frauen Leid antun

Die Prämisse der „Final-Destination“-Filme ist so bescheuert wie genial: Hier bringt kein maskierter Mörder die Teenager um, sondern Gevatter Tod persönlich. Der ist zwar unsichtbar, kann aber so in die materielle Welt eingreifen, das scheinbar zufällige Verkettungen von Ereignissen zum Ableben ausgewählter Person durch angebliche Unfälle führen. Klingt kompliziert? Ist es eigentlich nicht. „Bloodlines“ beginnt in den 1960er Jahren. Die junge Iris hat eine üble Vorahnung: Der neu eröffnete Skyview-Tower stürzt ein, viele Menschen kommen ums Leben. Dank ihrer Warnung überleben einige das Unglück, das tatsächlich eintritt. Das gefällt aber dem Tod nicht. Die Überlebenden standen ihm eigentlich zu, die will er sich nun anderweitig holen. Warum das zunächst nicht klappt und warum er seine knochige Hand in der Gegenwart dann nach der Studentin Stefanie ausstreckt, das erzählt uns der Film in künstlich wirkenden Bildern und in vollem Bewusstsein der Albernheit seiner Grundidee. Aber das war schon im ersten Teil aus dem Jahr 2000 das Faszinierende: Die vom Tod persönlich inszenierten Unglücksfälle sind gleichzeitig verdammt unterhaltsam und durchaus gruselig.

Vierzehn Jahre nach „Final Destination 5“ läuft mit „Bloodlines“ nun der sechste Teil der Horror-Reihe in den Kinos.

Filmkritik zu „Final Destination: Bloodlines“: Dieser Horror ist empfehlenswert

Gesundheit & Wohlbefinden

A24 bringt zusammen mit Universal einen Monsterfilm mit Einhörnern in die Kinos. Was als Idee durchaus charmant klingt, ist am Ende weder Fisch noch Fleisch und leidet vor allem unter den uninteressanten Charakteren.

A24 bringt zusammen mit Universal einen Monsterfilm mit Einhörnern in die Kinos. Kann das gut gehen? Die Kritik.

„Death of a Unicorn“: Eine Horrorkomödie mit starker Prämisse und schwacher Umsetzung

Erster Mai

Clarksdale 1932. Hier im Mississippi-Delta ist die Sklaverei zwar seit 1865 dank des 13. Zusatzartikels zur Verfassung der Vereinigten Staaten abgeschafft, aber viele Schwarze arbeiten noch immer hart auf den Baumwollplantagen, nun als Kleinpächter. Die Jim-Crow-Gesetze schaffen den gesetzlichen Rahmen für eine Rassentrennung, die Schwarze weiterhin benachteiligt. Der Ku-Klux-Klan sorgt auch abseits des Gesetzes dafür, dass sich die ehemaligen Sklaven ihres Lebens nicht sicher sein können. Kein Wunder, dass die schwarzen Zwillingsbrüder „Smoke und „Stack“ ihr Glück im Norden der USA versucht haben. Nun kehren sie allerdings aus Chicago zurück, mit jeder Menge irischem Bier und italienischem Wein und dem Geld, dass sie als Gangster zwischen Mafiosi und irischen Mobstern erwirtschaftet haben. Auch jenseits der Südstaaten haben sie sich als Schwarze nicht frei und gleichberechtigt gefühlt, da kehren sie also lieber zurück zum „Teufel, den sie kennen“. Ihr Plan: in ihrer Heimatstadt einen „Juke Joint“ eröffnen, eine Spelunke für Musik, scharfe Getränke und Tanz. Sie kaufen einem Weißen eine leerstehende Scheune ab, heuern Blues-Musiker wie den jungen Priestersohn Sammie und eine Köchin an, und eröffnen ihren Tanzschuppen mit großem Erfolg. Allerdings tauchen in dieser denkwürdigen Nacht nicht scheinbar verflossene Geliebte der Zwillinge im Juke Joint auf, sondern auch eine kleine Gruppe von weißen Musikanten, die sich friedlich geben und nur mitfeiern wollen. Wäre da nicht dieses dämonische Leuchten in ihren Augen.

Ryan Coogler inszeniert nach Filmen wie „Creed“ oder „Black Panther“ sein erstes Horror-Epos als Liebeserklärung an den Blues und die schwarze Bevölkerung der ländlichen Südstaaten.

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Blues und Vampire: Der Film „Blood & Sinners“ wirft einen neuen Blick auf den alten Vampirmythos

Am 27. März kam der neue Horrorfilm von Jaume Collet-Serra in die deutschen Kinos – einen Tag vor Start in den <a href="https://www.berliner-zeitung.de/topics/usa">USA</a>. Es handelt sich um eine kleine, kostengünstige und ziemlich wirkungsvolle Produktion.

Kann die Produktionsfirma einen neuen Hit landen wie 2007 mit „Paranormal Activity“? „The Woman in the Yard“ ist auf jeden Fall kein schlechter Horrorfilm. Die Kritik.

„The Woman in the Yard“: Packendes Horrordrama über eine Familie in einer psychischen Ausnahmesituation

Ab dem 13. März kommt für wenige Tage in ausgesuchten Kinos einiger Städte ein Film auf die Leinwand, der im Jahr 1981 Publikum und Kritik eher verstörte als begeisterte. Mittlerweile hat <a target="_blank" rel="nofollow" href="https://www.youtube.com/watch?v=aLXW-oVbTxE">„Possession“ von Andrzej Żuławski</a> jedoch eine stabile Anhängerschaft, die den eigenwilligen Mix aus Drama, Horror und kafkaeskem Experiment als Kultfilm feiert. Nun kommt er als restaurierte 4k-Version und erstmals deutsch synchronisiert noch einmal in die <a href="https://www.berliner-zeitung.de/topics/kino-und-streaming">Kinos</a>.

Der Kultfilm „Possession“ des polnischen Regisseurs Andrzej Żuławski kommt nach 44 Jahren für kurze Zeit wieder in die Kinos – nichts für zart Besaitete. Eine Filmkritik.

Der ultimative Berlin-Film? Der Horrorklassiker „Possession“ kehrt ins Kino zurück

Berlin

Es gibt so viele Filme, die sich auf eine Vorlage von <a href="https://www.berliner-zeitung.de/topics/stephen-king">Stephen King</a> berufen, dass selbst eingefleischte Horrorfans Mühe haben, alle lückenlos aufzuzählen. Das liegt auch daran, dass King die Rechte an seinem Stoff in der Regel für einen symbolischen Dollar verkauft. So erhalten Filmemacher ein sehr niedrigschwelliges Angebot, mit Kings weltbekanntem Namen für ihre Projekte zu werben. Oft lehnen sich die filmischen Adaptionen dabei nur lose an ihre Vorlagen an, und so ist es auch bei „The Monkey“. Der Regisseur Osgood Perkins hat sich eher frei am Stoff bedient und – anders als in Kings Kurzgeschichte – zwei Brüder in den Fokus gerückt, die wir als Teenager kennenlernen. Der kleine Bill ist bossy, extrovertiert und angeberisch, sein Zwillingsbruder Hal hingegen introvertiert und sensibel. Auf dem Dachboden finden sie einen alten Stoffaffen mit zwei Zimbeln in der Hand, eine Hinterlassenschaft ihres früh verschwundenen Vaters. Dreht man ein Schräubchen im Rücken des Affen, beginnt er die Zimbeln gegeneinanderzuschlagen.

Der amerikanische Regisseur Osgood Perkins hat mit „The Monkey“ einen Steven-King-Klassiker verfilmt. Sehr gelungen! Die Kritik.

Horrorfilm „The Monkey“: Guter Grusel auf Basis eines Steven-King-Stoffes

Stil

Manchmal unterhalten sich Filmfans wie in einem Sketch von <a href="https://www.berliner-zeitung.de/news/ard-doku-loriot-100-hommage-an-den-humoristen-li.2156222">Loriot</a>: „Früher war mehr Horror“, höre ich einen Stammgast des FFF im Foyer des Savoy-Kinos am Hamburger Steindamm sagen. Und andere pflichten ihm bei. Dieses Jahr stehen vor allem Filme auf dem Programm, die sich nicht leicht einem Genre zuordnen lassen. Am ersten Februarwochenende kann man sich im <a href="https://www.berliner-zeitung.de/kultur-vergnuegen/totenstille-bei-nosferatu-weltpremiere-des-horror-klassikers-im-zoo-palast-li.2277722">Berliner Zoo-Palast</a> davon überzeugen. Da ist zum Beispiel „Companion“, das beeindruckend sichere Regiedebüt von Drew Hancock. Ist das eine schwarze Komödie? Eine SF-Dystopie? Ein Rape-and-Revenge-Thriller? Oder doch auch bisschen ein Horrorfilm? Egal, das Publikum applaudiert beim Abspann. Denn auch wenn der Film auf einer Makroebene nichts Neues erzählt, auf der Mikroebene punktet er mit vielen guten Ideen, gelungenen Gags und überraschenden Wendungen. Wie Drew Hancock in einem kleinen Einspieler vor dem Film zum Publikum sagt: Am besten geht man ohne jegliche Infos in den Film und lässt sich einfach überraschen. Nur so viel sei verraten: Sophie Thatcher beweist hier endgültig, was für eine gute Schauspielerin sie ist!

Am Wochenende finden im Berliner Zoo-Palast die „White Nights“ statt. Unser Autor hat das Programm schon letzte Woche in Hamburg gesehen. Das sind die Highlights und Flops.

Genrefluides Fantasy Filmfest „White Nights“ im Zoo-Palast: Wenig Horror, mehr zum Lachen

Hamburg

Ein Junge geht mit seinem hartgesottenen Redneck-Vater auf die Jagd in den Wäldern <a href="https://www.berliner-zeitung.de/topics/oregon">Oregons</a>. Das Kind ist sensibel und verträumt. Der Vater wird wütend, als der Junge nicht hören will. Wer in der rauen Wildnis überleben will, muss auf die Älteren hören. Dann taucht etwas zwischen den Bäumen auf, was der Vater halbherzig als „Bär“ bezeichnet. Aber wir ahnen schon, dass es sich um etwas Unheimlicheres handelt. Dreißig Jahre später ist aus dem verträumten Jungen ein Mann (Christopher Abbott) geworden, der mit seiner arbeitssüchtigen Frau (Julia Garner) und seiner zehnjährigen Tochter (Matilda Firth) versucht, ein Familienleben zu führen, das auf Gleichberechtigung und Verständnis füreinander basiert.

Kaum ebbt der Hype um „Nosferatu“ ab, kommt ein anderes klassisches Filmmonster zurück. In „Wolf Man“ werden Männer zu reißenden Bestien. Ist daran irgendetwas neu? Die Filmkritik

Was ist mit Papa? „Wolf Man“ führt die Werwolf-Kinotradition weiter

Mit „The Witch“, „Der Leuchtturm“ und „The Northman“ schuf sich Regisseur Robert Eggers einen Namen unter Fans anspruchsvoller und stilistischer zwingender Düsterfilme. Entsprechend groß sind die Erwartungen gegenüber seiner Neufassung des alten Nosferatu-Stoffes. Kann er sie erfüllen? Gleich vorab: Fans eines Gothic Style bekommen mit „Nosferatu“ die volle Packung. Dunkle Gassen, unheimliche Herrenhäuser, Kanäle im Vollmondschein, okkulte Riten in nächtlichen Wäldern, uralte Schlösser in zerklüfteten Bergen, Wölfe, Sarkophage, junge Frauen mit tief glosenden Augen – alles dabei.

Fans eines Gothic Style bekommen mit der neuen „Nosferatu“-Version, die jetzt in die Kinos kommt, die volle Packung. Die Kritik.

Horrorfilm „Nosferatu – der Untote“: Optisch opulent, aber was ist neu? – Die Kritik

In diesem Jahr spielte das Thema „Religion“ eine große Rolle im Horrorkino. Der abgründige Psychothriller „Heretic“ bildet also den perfekten Abschluss für einen Jahrgang, in dem Fragen nach Gott, Teufel und dem Sinn der menschlichen Existenz zentral gewesen sind.

Mit „Heretic“ kommt erneut ein Horrorfilm ins Kino, in dem Fragen nach Gott, Teufel und dem Sinn der menschlichen Existenz zentral sind.

Anselm Neft

„Keeper“: Ein neuer Horrorfilm zeigt, was im Genre oft schiefläuft